Дипломная работа на тему: Взаимосвязь изобразительного искусства и музыки

Введение

Работа посвящена изучению взаимосвязей изобразительного искусства и музыки, взаимодействию звука и цвета которое давно существует как в искусстве, так и в природе т.к. связи между искусствами существовали всегда. В одни эпохи они были меньшими, в другие - большими. Тут стоит провести параллели между живописью и музыкой, изучить сочетания восприятия произведений изобразительного искусства и музыки на основании общности их стиля, жанра, настроения.

Леонардо да Винчи - великий итальянский художник эпохи Возрождения назвал музыку "сестрой живописи". Эти два вида искусства развивались вместе, соприкасаясь не менее тесно, чем музыка и поэзия. Музыканты и музицирование, музыкальные инструменты являлись излюбленной моделью для изобразительного искусства различных эпох.

Есть семантическое родство между тембром в музыке и колоритом в живописи. Тем не менее, колорит это одна из важнейших систем эмоциональной выразительности в живописи, а в музыке колоритом является тембр. Главные факторы изобразительности это - "В живописи колорит - наиболее музыкальный элемент, в музыке - наиболее живописный. Следовательно, в каждом из данных искусств колорит, как бы, следует в сторону другого, вторгается в его область. В своем колорите изобразительное искусство и музыка будто тянутся навстречу друг другу. И когда они сливаются, колорит оказывается звеном их синтеза и точкой их соприкосновения" (В. В. Ванслов).

В рисунках даже любителя находят отражение не только настроение, но и выразительные средства музыки такие, как тембр, ритм, мелодия.

Стараясь сделать музыку видимой, в ХVIII веке Кастель создал так называемый "цветной клавесин". В настоящее время связи между живописью и музыкой достаточно разнообразны.

Актуальность исследования: формирование умений видеть и чувствовать взаимосвязи изобразительного искусства и музыки, взаимодействие звука и цвета, изучить сочетания восприятия произведений музыки и изобразительного искусства на основе общности их настроения, стиля, жанра. Изучение взаимосвязей искусств повышает уровень развития художественных, эстетических качеств, развивать восприятие студентов, развивает художественно-творческие способности, что чрезвычайно важно для качественной подготовки будущих учителей изобразительного искусства и музыки в частности для преподавателя изобразительного искусства развивает все ведущие художественно-творческие способности

Проблема - формирование умений передачи ощущений через живопись и через музыку увидеть родство между колоритом в живописи и тембром в музыке. Ведь колорит является одним из важнейших средств эмоциональной выразительности в живописи; в музыке колорит это тембр.

Цель - определить общее понятия этих искусств их взаимосвязь, увидеть родственные связи, овладеть навыками восприятия и передачи характерных черт музыкального произведения через живописное осмысление музыкального произведения.

Объект исследования - взаимосвязь музыкальных и художественных произведений и способы передачи одного через другое.

Предмет исследования - особенности и взаимосвязи музыки и изобразительного искусства, способ передачи одного через другое.

Гипотеза - успешное формирование умений чувствовать и передавать музыку через живопись в технике батик.

Задачи:

определить стиль и жанр музыкального произведения;

.определить общие критерии в стилях музыкального и художественного произведений;

установить цветовые отношения между художественным изображением и ощущением музыки;

передать общее тоновое и цветовое состояние изображаемого произведения;

ГЛАВА 1. СВЯЗЬ ЖИВОПИСИ И МУЗЫКИ

.1 Музыка живописи или живопись музыки? М.Чюрлёнис

"...Помни, что исполнятся все наши желания, все мечты. Счастье с нами, а если судьба слегка мешает и стесняет, то уж такая у нее привычка..." (Чюрленис).

Фраза, сказанная Горьким в 1929 году, ("А где же мечта? Мечта где? Фантазия где - я спрашиваю? Почему у нас Чюрленисов нет?") доказывает, что он мог видеть много больше проповедуемого соцреализма и осознавал необходимость самых различных видов самовыражения в искусстве.

Чюрленис: "Вселенная представляется мне большой симфонией; люди - как ноты". Принято считать, что родился и умер Чюрленис в Российской империи. Но необходимо понимать, что родился он в Литве. Мать его из немецких переселенцев, работала с детьми, среди которых был старшим Микалоюс Константинас. Отец его был из крестьянской семь и работал он органистом в церкви. Невзирая на то, что мать Чюрлениса была немкой, а отец литовцем, родными его языками оставались русский (только к моменту знакомства с будущей женой он начал изучать литовский язык) и польский. Чюрленис Микалоюс Константинас родился в городе Варена (сейчас - Литва) 10 (22) сентября 1875 года. Семья его была небогатая и многодетная, но одаренного ребенка заметили те, кто мог помочь. Благодаря князю Михаилу Огинскому ребенок с раннего детства имел возможность учиться музыке. Образование, полученное Чюрленисом, также несло на себе печать специфики места рождения. Учился он в Варшавской и в Лейпцигской консерваториях. Чюрленис учился живописи позже в Варшаве.

Композитор, поэт, художник, философ - одно неотделимо от другого. Чюрленис является автором около 250 музыкальных сочинений и более 300 картин - как тут определишь? Трудно "определить" и в стилистическом отношении: при этом несомненно большое влияние модерна, символизма, в живописи, импрессионизма, позднего романтизма и прочих "-измов" - в музыке. Еще и там, и там глубокого полифонизма. Чюрленис В 1907 году приехал в Петербург. В условиях нищеты, он за пару лет создал большенство своих картин. Его признают такие художники, как Рерих, Добужинский, Бенуа, Маковский, Бакст, Лансере. Кстати,

Добужинский отдал свой рояль. Стремились помочь Чюрленису с выставками: первая была организованна в рамках выставки "Союза русских художников" в том же году. Привлекли Чюрлениса к театрально-декоративному искусству художники "Мира искусства".

А. Бенуа писал, что если бы он (Бенуа) был богат, то заказал Чюрленису огромные фрески.

Писал М.В. Добужинский: "Умение заглянуть в бесконечность пространства и в глубь веков делали Чюрлёниса художником чрезвычайно широким и глубоким, далеко шагнувшим за узкий круг национального искусства". Композитор часто испытывал тоску и его приступы депрессии усугублялись. Чюрлениса в 1910 году поместили в нервную больницу под Варшавой. К сожалению, после прогулки в лесу он простудился и скончался в возрасте 35 лет. Вячеслав Иванов писал: "Свои фантастические картины он действительно пел, выражая нежными красками, узорами линий, всегда причудливой и необычайной композицией какие-то космические симфонии… Чюрленис несомненно музыкант… по общей музыкальной стихийности, как бы разлитой во всем его душевном составе". Ритм, архитектоника, пластика -эти определения применимы к различным видам искусств. Узор линий и мелодии, краски на кисти и музыкальных гармоний.

Даже слова "полифония" и "тональность" давно перешли свои тонкие границы. Большинство картины Чюрлениса имеют такие названия: картины-сонаты, картины-фуги, картины-прелюды. И также музыка переходит свои границы.

Вопрос о синтезе искусств очень старый. Почему данный вопрос мощно и актуально встал перед большинством деятеляй именно на переломе эпох (19 и 20 веков) - сказать сложно.

Понятие "цветной слух" уже существовало в обиходе. К примеру, идеи Александра Скрябина, не вселенского мистического масштаба, а идеи светомузыки были реализованы в Казани техническими специалистами спустя несколько десятилетий. Он включил партию световой клавиатуры в партитуру своей симфонической поэмы "Прометей" - ее расшифровали. Но Скрябин реализовать не успел идею "Мистерии" - действа звуков, запахов, красок, движений. Общность Чюрлениса и Скрябина невозможно не заметить. Чуть уловимые общие черты есть даже во внешности, видна некоторая общность идей и интересов. Азбучным является представление о том, что Скрябин решал вопросы светомузыки с "музыкальной стороны", а Чюрленис - с "живописной". Происходило это в первом десятилетии 20 века, и знакомы они при этом не были. "Его творчество - музыка в той же степени, как живопись" - писал о Чюрленисе Маковский. То, как мог видеть-слышать Чюрленис, можно расшифровывать, распутывать и разгадывать.

Творчеством композитора и художника Ромен Роллан был восхищен, посвятив ему такие строки: "Просто невозможно выразить, как я взволнован этим поистине магическим искусством, которое обогатило не только живопись, но и расширило наш кругозор в области полифонии и музыкальной ритмики. Каким плодотворным могло бы быть развитие этого открытия в живописи больших пространств, в монументальной фреске! Это новый духовный континент, Христофором Колумбом которого, несомненно, остается Чюрленис… Я думаю, что он сам должен был пережить какую-то мечту и то ощущение, которое нас охватывает, когда мы, засыпая, вдруг чувствуем, что парим в воздухе". Вероятно, каждому ощущение парения дано, хотя не все в нем, нуждаются. Нездешние миры и хрупкость обыденной земной жизни в творчестве, все это было присуще Чюрленису. Но что больше всего поражает в его музыке и картинах осознание внутренней чистоты. К примеру, можно послушать фрагмент симфонической поэмы "В лесу" с видеорядом картин. Композитор и художник - М.К. Чюрленис

Соната моря (Финал, Чюрленис М.К. Чюрленис.) Соната весны (фрагмент)

Соната пирамид (Аллегро, Чюрленис) Соната звезд (Аллегро, Чюрленис)

Соната лета (Скерцо, Чюрленис) Прелюдия и фуга (Ангел, Чюрленис)

.2 Взаимодействие живописи и музыки в искусстве в различные эпохи

О том, что цвета по гармонии и красоте могут соотноситься между собой подобно музыкальным созвучиям, писал еще Аристотель. Существовал в Древней Индии род живописи на музыкальные темы и назывался он - ваника. В нем семь звуков гаммы сопоставлялись с семью цветами, а сама мелодия с конкретной графической формой.

В Средневековье в отношении символических значений живопись и музыка развивались совершенно по-разному. Так как, музыка считалась наукой, а для живописи материалом были библейские сюжеты. Количество сюжетов библии достаточно ограниченно, а мир чисел бесконечен, поэтому музыка развивалась чуть быстрее. Хотя главные принципы живописи и музыки были общими. В первую очередь это религиозное содержание. Главным являлся принцип единства, в музыкальной символике ему присвоена единица, обозначающая единство Бога и Церкви. Единица была источником ряда чисел и считалась источником всего сущего.

Потихоньку связь музыки и живописи модифицировалась. Это в первую очередь предопределяло новое понимание сущности Бога. .

Двойка в это время означало начало и конец. В музыке это связанно с четырьмя нотными линейками, определяющих четырёх евангелистов, и с четырьмя тетрахордами, которые обозначали четыре периода жизни Христа.

Следовательно, миросозерцание данного периода оставалось религиозным и имело несколько иные приоритеты. Оно до некоторой степени уравнивало низ и верх, а главным являлось стремление к гармонии. Стоит отметить, что эта связь обосновывалась объединением человека со Вселенной и с небесными семью сферами.

В живописи низ и верх картины уравновесились ещё больше. Чем ближе к Возрождению, тем увеличивалось это равенство. Превосходство триптиха как господствующей формы пошатнулось, при этом количество частей стало более свободным. Бывали случаи, когда произведение состояло из пяти частей. Появились в современном смысле слова одночастные картины. Тем не менее центральной фигурой оставался по-прежнему Иисус Христос.

Появились изображения святых, а среди эпизодов из Библии выбирались не только трагические. При этом символика тут играла огромную роль, по сравнению с музыкой, где она зачастую сводилась исключительно к использованию латинского языка.

В эпоху Возрождения роли живописи и музыки поменялись местами, то есть живопись развивалась быстрее музыки. В данное время наиважнейшим в искусстве было светское начало. В светском же искусстве художник старался подчеркнуть индивидуальные черты. Музыка являлась более обобщённым искусством. А художники стремились изобразить библейских персонажей по-своему, к тому же число их резко увеличилось из-за того, что есть множество святых.

Разные художники искали "верное" числовое соотношение пропорций человеческого тела. А результатом данных поисков была перспектива, изначально геометрическая, а затем и воздушная. Появилось новое понятие светотени, теперь художники, отождествляя искусство и науку, старались как можно точнее изобразить картину окружающего мира на своих картинах. Осуществлялся постепенно переход от Средневековья к Возрождению.

Связана музыкой и живопись во время, которое началось с эпохи Возрождения, более сюжетно, чем по средствам выражения. При этом связь растянулась на длительное время, так как музыка развивалась медленнее. Большинство из того, чего достигла живопись, в эпоху Возрождения, было достигнуто в музыке лишь в эпоху барокко. В данный период расположение к светскому началу сказалось ярче всего в образовании нового жанра -светской оратории и оперы. Они образовались в результате интереса к античности, который возник также и в живописи.

Связи между живописью и музыкой ослабевают в эпоху классицизма. В это время каждое из искусств образовывает свои самостоятельные "идеальные" формы, которые зачастую не связаны друг с другом.

Происходит формирование многих национальных музыкальных школ в XIXв. Их основоположники изображают пейзажи своей родины, славят историю своего государства и персонажей народного творчества. К примеру, симфония Дворжака "Из Нового Света". Очень много образцов таких обращений к инонациональному в русской музыке. Может, это вызвано составом её населения и многонациональным характером.

В постромантическое время связи между живописью и музыкой ощущаются больше на уровне мироощущения, нежели на уровне конкретных приёмов.

У импрессионистов данное сходство образного строя стало уже на первый план. В это время новых жанров не появляется ни в музыке, ни в живописи, но старые жанры полностью переосмысливаются. В обоих искусствах господствуют зыбкие формы. Изобретение масляных красок дало возможность художникам писать на пленэре и это позволило им показать натуру более тонко. Это в большой степени определило характер творческого метода. Писали чистыми красками импрессионисты из-за того, что натура менялась очень быстро. Взяв это за идею, все время жалующийся на эту непостоянность Клод Моне даже изобразил триптих, где Руанский собор был написан им утром, в полдень и вечером.

Пейзаж вообще был ведущим жанром у импрессионистов.

Наиболее крупный представитель импрессионизма в музыке - Клод Дебюсси, тоже любил изображать пейзажи в своей музыке, и они у него такие же шаткие, как и у художников-импрессионистов. Вершина в этом отношении - три "симфонических эскиза" "Море", которые в единстве формируют почти такой же план, как и триптих Моне, то есть это три образа одного и того же объекта ("От зари до полудня на море", "Разговор ветра с морем""Игры волн",).Дебюсси был первым, кто создал музыку, вдохновлённый конкретной картиной - в этом случае это картина Хокусаи .

Ещё много "музыкальных пейзажей" у Дебюсси: "Звуки и ароматы веют в вечернем воздухе", ранняя пьеса "Лунный свет" для фортепиано; и другие фортепианные прелюдии. Эти аккорды прозрачны и классичны, довольно таки тонкая оркестровка. Неустойчивая гармония и капризы ритмов в сочетании с темой-фактурой, свойственным произведениям Дебюсси, лучше всего способствует создание таких же мимолётных настроений, которые царят в пейзажах художников-импрессионистов.

В ХХ в. связи между музыкой и живописью остаются на уровне и впечатлений и влияний. Например, Мондриан и Кандинский дают различные значения геометрическим фигурам и линиям. Ознакомившись с биографиями художников можно догадаться, что у Пикассо бык отождествляется с мужским началом, а у Дали мальчик в матроске - с его юношескими комплексами.

Есть художники, которые видят общность между написанными ими картинами и музыкальными жанрами. Вот так появляются циклы "Соната солнца", "Соната весны", "Соната пирамид" Чюрлёниса, "фуги" и "ноктюрны" Купки, "Фуга в красном" Клее.

Ещё одна форма взаимодействия музыки и живописи появляется во второй половине ХХ в. - графические партитуры. Они смотрятся как рисунки, но такой внешний вид более очевиден для исполнения крупными составами оркестра, чем многочисленный ряд строчек. При этом более подходит для музыки, где высока роль импровизации. "Декабрь 1952" - одна из первых таких пьес для любого состава, также вдохновлённая творчеством художников - Александра Калдера, Джексона Поллака и Роберта Раушенберга. Её партитура: Со слов композитора, сию композицию можно исполнять с любой точки и при этом в любую сторону, исполнение происходит в трёх измерениях - горизонтальном, вертикальном и временном. При этом заранее необходимо определить только продолжительность пьесы, она ведь не предписана композитором. Следовательно, пьеса оставляет впечатление ирреальности.

Стоит привести графический партитур "Музыка воды" современного датского композитора Йоргена Плэтнера. Как видно, даже по внешнему виду партитур отвечает заключённому в нем содержанию.

Музыка воды.

Выходит, связи между живописью и музыкой в настоящее время достаточно разнообразны. А что же нам ждать завтра?

ГЛАВА 2. СОЗДАНИЕ ЖИВОПИСНОГО ПРОИЗВЕДЕНИЯ ЧЕРЕЗ ВОСПРИЯТИЕ МЗЫКИ

Оглавление

- Введение

- СВЯЗЬ ЖИВОПИСИ И МУЗЫКИ .1 Музыка живописи или живопись музыки М.Чюрлёнис

- Взаимодействие живописи и музыки в искусстве в различные эпохи ГЛАВА 2. СОЗДАНИЕ ЖИВОПИСНОГО ПРОИЗВЕДЕНИЯ ЧЕРЕЗ ВОСПРИЯТИЕ МУЗЫКИ

- Батик как вид искусства

- Подготовка к работе и этапы написания ЗАКЛЮЧЕНИЕ

- Литература

- живопись музыка батик

Заключение

В процессе изучения темы можно сделать вывод, что взаимосвязи изобразительного искусства и музыки, взаимодействие звука и цвета велико, как в музыке тембр и тон, так в искусстве равнозначные им цвет и ритм. В обоих искусствах большое значение играет ритм, создается сюжет. Проведена параллель между живописью и музыкой, найдено сочетание восприятия произведений изобразительного искусства и музыки на основании общности их стиля, жанра, настроения.

Есть семантическое родство между тембром в музыке и колоритом в живописи. Тем не менее, колорит это одна из важнейших систем эмоциональной выразительности в живописи, а в музыке колоритом является тембр.

В изобразительном искусстве можно выразить не только настроение, но и выразительные средства музыки такие, как тембр, ритм, мелодия.

Список литературы

Основная

1. Алмосов Л.И. Четвертая биенале современного реалистического искусства, 2004.

. Алмосов Л.И. Современное реалистическое искусство М.:ALM-ART, 2010.

. Алмосов Л.И. Современное реалистическое искусство М.:ALM-ART, 2006.

.Панксенов Г.И. Живопись форма цвет изображение М.: Академия, 2008.

. Сараева Ю.С. Роспись по ткани. - Ростов-на-Дону, 2000.4с.

Дополнительная

1. Андреев А.А. Искусство, культура, сверхкультура. - М.:Знание, 1991.

. Арманд Т. Руководство по росписи ткани./ Под редакцией Н.Н. Соболева.

СПб.: Политехника, 1992.

. Асафьев Б. В. Русская живопись. Мысли и думы. Л.; М., 1966.

. Гильман Р.А. Художественная роспись тканей: Учебное пособие для студ.

высш. учеб. заведений.- М.: Гуманит. изд. центр ВЛАДОС, 2003.

. Западное искусство ХХ века. Классическое наследие и современность. -

М., 1992.

. Козлов В.Н. Основы художественного оформления текстильных изделий.-

М.,1981

. Корюкин В.Н. Батик. Художественное оформление тканей.- Л., 1978

. Каган М. С. Морфология искусства. Л., 1972.

. Кандинский В. В. О духовном в искусстве. Л., 1990.

. Козырева С. П. Взаимосвязь музыки и рисования как средство развития изобразительного творчества старших дошкольников: Дис. … канд. пед. наук. М., 1987.

. Коротеева Е. И. Связь музыки и живописи в развитии художественного образного мышления школьников. // Искусство в школе. 1996. № 1. С. 35-38. 12. Кунин И. Ф. Николай Андреевич Римский-Корсаков. М., 1988.

. Ландсбергис В. В. Творчество Чюрлёниса. 2-е изд 9.. - Л., 1975.

. Мазаев А. И. Проблема синтеза искусств в эстетике русского символизма. М., 1992.

. Руднева С. Д., Пасынкова А. В. Опыт работы по развитию эстетической активности методом музыкального движения // Психологический журнал. 1982. Т. 3. С. 84-92.

16. Рерих Н. К. <http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%А0%D0%В5%D1%80%D0%В8%D1%85_%D0%9D._%D0%9А.> Чюрлёнис <http://lib.roerich-museum.ru/node/603> // Художники жизни. - М.: МЦР, 1993. - 88 с.

. Романова Е. С., Потемкина О. Ф. Графические методы в психологической диагностике. М., 1991

. Холопова В. Н. Музыка как вид искусства. М., 1990

. Чюрлёните Я. К. Воспоминания о М. К. Чюрлёнисе. Пер. с литов. - Вильнюс, 1975.

. Шапошникова Л.В. На берегах иных миров <http://roerich-museum.ru/rus/about/direction/director/churlenis> // Тернистый путь красоты. - М.: МЦР, 2001.

. Юсов Б. П. К проблеме взаимосвязи искусств в детском художественном развитии // Теория эстетического воспитания. Вып. 3. М., 1975. С.43-55.